¿Así que quieres empezar a hacer música?
Genial! Y bienvenido seas, pero antes de hacer cualquier cosa lee esto.
Seguro que empezarás más rápido y mejor.
Porque en esta guía te hablaré de todo lo que necesitas para empezar con buen pie y así puedas realizar tus primeras producciones sin complicaciones lo antes posible.
A mi es lo que me habría gustado tener el primer día cuando empecé en este mundo. En verdad en una tarde podrías aprender lo que a algunos les cuesta semanas, incluso algunos conceptos un poco avanzados (pero fáciles) que algunos no conocen hasta haber estado meses haciendo y produciendo música.
Y además, por si fuera poco, hay material gratuito para empezar, asi que vamos a ello.
Antes de meternos quería comentar que para ser un buen productor normalmente hace falta cierto tipo de mentalidad.
Deberías ser alguien que tiene pasión por la música, alguien que tenga interés por desarrollar la creatividad y sobretodo que sea paciente y capaz de sentarse a trabajar horas y horas. Básicamente que tenga hambre por aprender y saber más para asi crear mejores temas... y que no se canse fácilmente.
Puedes leer más sobre esto en nuestro post sobre cambios de mentalidad.
Y en el post de las características que un productor debería tener.
Aunque ahora estás empezando y no es tan importante, el tener idea de qué "material" necesitas para ser buen productor te ayudará un poco a ver cómo puedes mejorar más rápido y sacar más provecho a tus horas.
Ahora si que empezamos ya!
Hacer música es un proceso que tiene muchas partes. Y en muchos casos participan varias personas.
Aquí tienes un diagrama bonito de estas partes:
Aunque no es una ciencia exacta, este diagrama es una aproximación a lo más común, porque en verdad se puede ir de un sitio a otro o saltar partes.
En nuestro caso (ya que aquí hablamos de música electrónica) lo más normal es que empezemos la producción con sonidos ya grabados o sintetizados y que utilicemos instrumentos virtuales (sintetizadores vsti) con midis que veremos más adelante. Así que no hace falta grabar mucho.
Además la composición se suele hacer sobre la marcha. Y las ideas o inspiraciones nos pueden venir a partir de cosas tan simples cómo un sample o una parte de un tema que nos provoca alguna sensación.
Cabe destacar que en muchas ocasiones, cuando ya tenemos la producción avanzada, decidimos grabar elementos cómo vocales o saxos para dar más personalidad al tema.
Y ese es el proceso de producción más común en nuestro estilo.
De todas formas no te olvides que hay más opciones para empezar a hacer música: por ejemplo puedes hacer remixes, mashups o reworks, que es parecido a producir pero con media idea ya hecha.
Para esos casos de remixes, mashups y más lo que vemos en esta guía también sirve.
Vale, queremos empezar ya a producir!! pero antes... ¿Qué necesitamos?
Lo más básico es un equipo (un ordenador con tarjeta de audio) y un software (un programa para producir) llamado secuenciador o DAW (digital audio workstation).
Imagino que equipo ya debes tener si estás leyendo esto: puede ser más o menos bueno. Es importante tener en mente que cuando empiezas no es importante tener un super equipo.
Además date cuenta de que no todas las buenas producciones se han hecho en equipos de miles de dólares: hay productores que producen y mezclan con un portatil mientras están viajando. (Eso si, luego lo prueban en otros ambientes o participan otros profesionales).
Y si aún crees que es necesario, piensa que tienes mejor equipo que los que tenían los mejores productores del mundo hace 10-15 años.
Pues teniendo claro lo del equipo ahora es hora de elegir un programa de producción... ¿pero cuál?
Vamos a ser sinceros: la respuesta es...
Cualquiera que te ayude a producir más fácilmente.
Da igual lo que los mejores productores del mundo digan, o tus amigos, o pepito. Da igual que digan Cubase o Ableton o X: cada uno tiene unas necesidades y sus preferencias son diferentes (y no son iguales que las tuyas).
Por orden esto es lo que te vendría mejor:
Lo importante es saber que cualquiera que utilices al principio te va a dar los mismos resultados.
Te lo repito de nuevo: Cualquiera que utilices al principio te va a dar los mismos resultados.
Da igual el motor de audio que tengan, o el dinero que cuesten, o lo que sea... no lo vas a notar ni lo vas a aprovechar hasta mucho más adelante.
Lo más importante en este momento es que no pierdas horas y horas leyendo y pensando y volviéndote loco. Eso se llama parálisis por análisis.
Lo más importante ahora es que puedas empezar a hacer cositas, y eso lo harás con ayuda de tus amigos o de internet. Así que usa el secuenciador que usen ellos.
Aún así, si quieres puedes echar un vistazo a este post donde hacemos un resumen de los programas más populares para empezar a producir.
Ahora si espero que tomes una decisión pronto (si no la has tomado) para seguir adelante: no te compliques la vida, sé práctico.
Nota sobre los secuenciadores: cómo verás la mayoría de los programas son de pago, pero no te preocupes. En todos (o casi todos) puedes descargar versiones de prueba de 1 mes, así que usa esa prueba, no pierdas tampoco tiempo en comprarlo o "descargarlo de otra parte". Cuando pase el periodo de prueba ya te preocuparás de cómo conseguirlo completo, algunos son económicos y vale la pena invertir para no tener problemas. Otros en cambio si que cuestan mucho.
Enlaces a los secuenciadores que hemos comentado:
Ahora que ya tienes programa ya puedes empezar a hacer cosillas
Pero lo más seguro es que necesites conocer (o repasar) un poco los conceptos más importantes. Que son estos:
1. Conceptos super básicos de producción: BPM (Ritmo/tempo) y Nota (melodía)
2. Conceptos del sonido: frecuencia y volumen
3. Conceptos del sonido digital: sampling rate y profundidad bits
BPM significa Beats per minute (pulsos por minuto) e indica el ritmo o tempo de la canción.
Si una canción va a 120 significa que se dan 120 golpes de ritmo cada minuto.
Si una canción va a 80 significa que se dan 80 golpes de ritmo cada minuto.
Obviamente una canción a 80 es más lenta que una que va a 120.
Dependiendo de tu estilo elegirás un bpm más rápido o más lento: el dubstep (sobre 140) es muy rápido y el tropical house más lento (sobre 100, 110). Fíjate en canciones del estilo que quieras producir y sigue su ritmo.
Demo a 95BPM:
Demo a 110BPM:
Demo a 128BPM:
Es importante elegir bien el BPM porque es la base del proyecto y determina la rejilla. Y luego es difícil de cambiar.
Además, al principio, cuando quieras insertar loops, estos deberán estar en el BPM de la canción. Si no están al mismo BPM te costará transformarlos y es probable que todavía no sepas cómo (aunque algunos programas lo hacen automáticamente).
Normalmente los loops, que son audios que se repiten (cómo una base) vienen etiquetados con el BPM así que podrás saber si entrarán en tu proyecto fácilmente.
Al principio es ideal activar la CLAQUETA o metrónomo para escuchar el ritmo: cuando pongas un loop por encima sabrás en seguida si está cuadrado al tempo.
E igual de importante activar la REJILLA (grid) de tu secuenciador para que los sonidos se cuadren bien en la linea temporal y puedas arrastrarlos, moverlos, cortarlos, pegarlos... Esta opción se suele llamar "snap to grid" o ajustar a la rejilla.
¿Lia un poco? No problem, en la siguiente sección lo veremos de forma práctica con los loops que te regalamos en esta guía.
Pasemos ahora a la nota de la canción.
Todas las canciones suelen tener una tonalidad dominante o principal: por ejemplo en LA (A), o SOL (G). Las notas disponibles son DO, DO#, RE, RE#, MI, FA, FA#, SOL, SOL#, LA, LA#, y SI.
Es muy probable que en muchos sitios las notas vengan notación americana, que sería la siguiente: C (do), C# (do#), D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B
En el piano, estas notas corresponden a las teclas. Cuando empieces a tocar teclas sobre un tema verás que hay notas que suenan bien con el tema y notas que no. Las notas que cuadran están en la escala de la nota principal, y las que no suenan bien no están a tono.
Aquí tienes un pequeño diagrama de las nota en el teclado:
Ahora a lo mejor te estás haciendo está pregunta
No, no es necesario para empezar. Ni siquiera para crear una gran canción.
Pero si la sabes, te va a ayudar mucho, entre otras cosas irás más rápido y tendrás más idea de lo que haces.
Pero no, no hay que saber.
Eso si tienes que saber que las notas existen y que cuando inserta algo, su nota tienen que pertenecer en la escala de la nota principal del tema. Si es Do, es Do y si es Re, pues Re.
Esa escala puede ser mayor, menor, pentatónica... pero eso ahora no es tan importante, y de hecho casi siempre es pentátonica, mayor o menor.
De momento lo importante es saber que a la hora de meter loops de melodía o de tocar con uns instrumento VST / MIDI, deberás asegurarte de que estén a la nota de la canción: si no, van a sonar mal. Si está en LA (A) probablemente no encajará un loop que esté en SI (B).
En este puendo también te digo que sería ideal ir entrenando tu oido poco a poco y así en un futuro poder fiarte de ti mismo para saber si suena bien o mal. Hay muchas aplicaciones moviles que te ayudan a entrenar el oido, y si tienes la oportunidad de leer algo sobre teoría musical básica mejor que mejor. Todo ayuda.
Ahora que está claro, vayamos al siguiente punto.
Ahora pasemos a ver un poquito de teoría del audio.
Lo primero, ¿que es el audio?
El audio son ondas que viajan por un medio: en este caso aire. Cuando llegan a tu oido retumban en tu tímpano y eso se transforma en señales eléctricas que llegan a tu cerebro y te dan información, placer, odio, ...
Y son ondas que varian en el tiempo. Por eso cuando las vemos grabadas vemos el típico dibujo de una onda.
Ahí ves los audios que ves en tu secuenciador
Cómo ves la onda de audio va teniendo alturas diferentes en cada momento y por eso genera el sonido que percibimos.
Si echamos un vistazo más profundo al audio llegaremos a ver cada puntito de la onda. Míralo aquí:
Y eso es una onda de audio. En verdad es una mezcla de muchas ondas, pero en definitiva eso es el audio.
Ahora llegamos al concepto de frecuencia y volumen. Y para explicarlo bien utilizaremos el siguiente gráfico.
Onda de audio representada en el ordenador
El volumen del audio es la altura de la señal respecto al punto medio (que es 0). Cuánto más alta o baja la onda, más volumen y más energia tiene el sonido.
Y la frecuencia es el numero de veces que la señal sube y baja en un segundo. En el audio suelen ser miles de veces por segundo.
Los humanos, los que tenemos mejores oidos, somos capaces de escuchar frecuencias de entre 20 y 20.000 herzios (20hz - 20Khz), eso sí, con la edad se van perdiendo algunas frecuencias.
Al haber tantas subidas y bajadas por segundo vemos que en el dibujo del audio hay mucha movida.
Por otra parte al oir diferentes frecuencias te darás cuenta de que a más frecuencia, más agudo es el audio, y al contrario. Por eso los bajos tienen menos frecuencia (vibran menos).
En este video verás cómo al aumentar la frecuencia el sonido se vuelve más agudo.
¿Y cómo se relacionan la frecuencia y las notas?
Según sube la frecuencia, sube la nota. Y viceversa también.
Y las notas son simplemente determinadas frecuencias, cómo verás en esta tabla:
Tabla de frecuencias notas
Verás también que pone C1, C2, C3... C1 es el do más bajo, y cuando sube una octava (C1,C#1,D1,E1..,A,A#,B, C2,C#2, ...) llega de nuevo el C, pero para diferenciarlo se pone un número.
Así el C4 es mucho más agudo que el C1. Pero eso no es muy importante por el momento, en verdad no hace falta saber si un sonido está en C2 o en C7, cuando lo escuches tu mismo sabrás si es agudo, medio o grave.
Ahora que ya sabemos algo del audio, es hora de entrar en el audio digital, que es el que se guarda y se reproduce en medios digitales, cómo el ordenador. Y hay que verlo porque resulta que el audio digital no es exactamente igual que el audio analógico, que es el que se crea de forma física (tocando un instrumento, por ejemplo).
Resulta que el audio con el que trabajamos en nuestro equipo no es exactamente igual que el "real" porque (de momento) es imposible que un ordenador guarde toda la información del audio (en teoría es infinita porque si intentas dividir un segundo en unidades más pequeñas nunca acabarías, hay 0.5 seg, 0.05, 0.005... 0.0000005 y así infinito).
Por eso cuando grabamos sonidos estamos "sampleando" la onda de audio analógica, es decir estamos atrapando una muestra (o sample) de ese sonido en ese momento, y lo hacemos cada X instantes cómo hemos visto en el gráfico del sonido (son los puntos rojos).
Y hay que destacar que según la atrapemos de una forma u otra está más o menos calidad tendrá.
Bajo estas ideas se encuentran los conceptos de frecuencia de muestreo y profundidad de bits (o resolución). Por ahora no es necesario saber mucho salvo que la frecuencia de muestreo (o sampling rate) estandar es de 44.100 herzios y que la resolución suele ser de 16 o 32 bits.
Normalmente necesitas que los audios de tu proyecto tengan las mismas características en cuanto a sampling rate y profundidad de bits. Pero también es cierto que la mayoría de programas te lo transformarán cuando importes audios con características diferentes.
Si quieres saber más de este tema lee nuestro artículo: Qué es la frecuencia de muestreo (sampling rate) y profundidad de bits (resolución). Te enterarás muy bien de todo esto.
¿Estás impaciente? Vale, ya es hora.
Ahora que hemos soltado esta chapa y que puede que estés más perdido que una pieza de lego es hora de que empecemos a hacer algo.
Así que manos a la obra.
Con tu programa de producción (Ableton, Cubase, FL...) empieza tu proyecto y selecciona un BPM
Si juegas con nuestos samples, prueba a 128 o 110.
Te recomiendo 128 que son de los que más hay.
Ahora busca y activa la claqueta. Crea tu primera pista y dale a play. Oirás "tic, tic, tic, tic..", perfecto.
Ahora inserta un loop de percusión a 128 (o lo que hayas elegido). Una vez dentro estíralo y dale al play: ya tienes una base.
Aviso: si no esta activa la rejilla, actívala. Sabrás si está activa al mover el audio por la pista, si se queda anclado en los compases (lineas divisorias) es que está ok. Si esta activa te asegurarás de que suene al tiempo.
Ahora crea una nueva pista y mete una CHORD (acorde) que suene al mismo tiempo que la base, y juega. Fíjate en la nota que tiene el acorde.
Ahora que tienes 2 pistas, extende los audios hasta que ocupen más de un minuto.
Genial: ya estás empezando.
Bien ahora prueba con una melodía que esté al mismo tono.
Corta la melodía, muévela, exténdela hasta ocupar más de 1 minuto...
Ahora añade un bajo que esté en la misma nota (A - ... - G#)
Y ya que estás inserta alguna vocal, así a lo loco.
¿Has visto que fácil ha sido empezar?
Lo más fácil en este momento ha sido empezar probando con estos loops y samples.
Mola, ¿no? En apenas unos minutos hemos producido una idea.
Está claro que no es nada especial pero Martin Garrix (o ese productor que es tu ídolo) también empezó un día así.
De verdad. Piénsalo. Todos hemos empezado desde 0 y todos hemos pasado por esa "primera" producción.
Volvamos al tema.
¿Qué hemos hecho?
Pues algo muy simple, que es jugar con loops y samples para crear una composición. Ahora veamos que son.
La diferencia entre un loop y sample es muy fácil.
El sample es un sonido suelto que puede colocarse en cualquier momento, editar, repetir... etc.
El loop es una secuencia de samples (o sonidos) que al repetirse en bucle (una vez detrás de otro) genera sonido a un ritmo determinado.
Los loops suelen arrastrarse para rellenar una pisa.
Y los samples se van colocando en la rejilla cómo queramos para generar nuestro propio ritmo, porque aquí no hay un ritmo determinado.
¿Por qué se utilizan loops y samples?
Los motivos principales son que nos ayudan a ir más rápido, a probar ideas, no tenemos que dedicarnos a grabarlos (probablemente no podremos) ni a generarlos y pueden ser muy Pro's.
Hay gente que está en contra de usar loops, pero no tiene sentido. Son una herramienta más, y podemos jugar con ellos tanto cómo queramos para personalizarlos. Además para empezar son lo mejor.
Para saber más del tema echa un vistazo a los siguientes artículos:
Antes de terminar el capítulo echa un vistazo a este tutorial en donde vemos cómo componemos bases con samples. La parte del midi la veremos después.
Por cierto, esos sonidos están disponibles gratuitamente aquí.
Ahora avancemos un poco más.
Hemos llegado al siguiente nivel: EL MIDI.
¿Que carallos es eso del midi?
Simplificando mucho en este momento, MIDI es una forma de hacer sonar un instrumento virtual que está en tu ordenador.
Por ejemplo un pianito.
Aquí tienes un piano virtual
Esas notas las puedes tocar al momento con un teclado virtual o pueden estar grabadas en un archivo y hacer que el instrumento haga sonar esas nota del midi cuando le des a play.
En el paquete te hemos incluido varios MIDIs para probar.
Seguramente en tu programa de producción tendrás algún instrumento (como un piano o un sintetizador) para que hagas pruebas. Normalmente la pista de midis se llamará algo como "pista de instrumento virtual".
Ten en cuenta que por lo general las pistas serán de audio (sonido) o de instrumento virtual y que en cada una se trabaja de forma diferente.
En este tutorial vemos el un piano trae FL Studio, llamado FL Keys:
Y en este otro video, vemos el midi y algún instrumento de Garage Band
Ponlo a pantalla completa para verlo mejor
En la mitad inferior vemos la pista MIDI. Cuando llega una nota, el sintetizador suena. Luego tocamos algunas teclas y cambiamos el instrumento.
Y eso es lo más importante ahora mismo. En este momento lo más fácil es que cargues y edites las notas y duraciones de los midis que te hemos dejado en descarga.
¿Quieres una pequeñita chapa para saber mucho más del MIDI?, pues este es tu video.
Ahora entran en acción los plugins.
Los plugins VST son programas que funcionan dentro de nuestro programa de producción y que hacen algo con el sonido: pueden generar sonido, añadir o procesarlo.
Hay 2 grandes grupos de plugins: VST y VSTi
Los VSTI suelen interpretar las ordenes de la pista MIDI, así que actuan como instrumentos.
Los VST suelen tomar el audio de la pista y hacen algun procesamiento con el: por ejemplo añadir eco, ecualizar frecuencias, quitar ruido...
Si añadiste anteriormente el del piano, ese es un VSTi porque es un instrumento.
Obviamente puedes combinarlos y utilizarlos juntos. Normalmente los VSTi también procesan el audio, añaden efectos, así que son ambas cosas.
Lo más normal es que tengas VSTis (cómo un pianito) y/o efectos cómo reverbs, echoes, chorus... para que puedas aplicar el efecto en algún audio.
Pero esos VST's no son suficientes, a lo mejor no tienes todo lo que necesitas o no tienen la calidad que buscas. Por eso hay desarrolladores y compañias de plugins que publican los suyos para que los utilicen.
En resumen: Los que te vienen con tu programa de producción son nativos del programa. Y los que incorporas tu luego son externos.
En este video vemos uno que es externo, se trata de un chorus que viene en el paquete de plguins de Blue Cat Audio:
Y en este video vemos cómo se insertan y organizan en FL Studio
Y aquí te presentamos 5 plugins que puedes descargar gratuitamente para tus producciones
Un apunte importante sobre los VSTi que ha generado muchas confusiones: los VSTi pueden ser polifónicos y monofónicos.
Los monofónicos significan que solo pueden tocar una nota cómo mucho de forma simultanea. Mientas que los polifónicos pueden tocar varias a la vez, haciendo sonar un acorde (varias notas a la vez).
Si piensas en instrumentos es muy fácil: por ejemplo un saxo solo puede tocar una nota a la vez: un la o un sol, pero no las dos.
En cambio un piano si que puede tocar el sol y la a la vez, suenen bien o no.
Pues los VSTi igual, hay algunos que pueden hacer sonar varias notas a la vez y otros no
Si pruebas con un midi de acordes enseguida lo verás.
Por último hablaremos de los samplers, un tipo de VSTis que son muy potentes porque te permiten crear nuevos instrumentos.
La idea básica es que introduces tus sonidos en los samplers y ellos los adaptan a los teclados, pudiendo añadir también efectos sobre la marcha.
Algunos que puedes probar gratis son los siguientes:
En este video los vemos un poco por encima:
Puede que aún tardes en usarlos, pero no está demás saber que existen y que son muy potentes.
Ahora tienes los conocimientos más básicos para hacer tu primera producción y sentirte con el poder.
¿Qué tal suena?
Yo recuerdo mi primera composición, la enseñé muy orgulloso a algunos familiares y amigos... estaba muy contento. Pero hoy me daría verguenza jaja!
Lo más importante es que te sientas bien y con ganas de seguir.
Y no te compliques. Empieza creando algo corto con loops, algo donde el bpm y la nota estén bien.
Antes de acabar el capítulo conviene echar un vistazo por encima a más conceptos a tener en cuenta (sin ningún orden en particular) y que irás practicando por el camino:
Las automatizaciones son una forma de variar paramétros (cómo el volumen) de forma automática durante la canción. Aquí tienes un ejemplo de automatización en Cubase y otro de automatizacione en FL Studio.
Modifican el audio generando un efecto "físico" por ejemplo reverberación, o efecto coro (chorus) o delay (retraso),...
Hay muchos y muy variados, además se pueden personaliar los parámetros. Ejemplo de chorus aquí.
Además de aplicar efectos en el audio, este se puede procesar y usar directamente procesado. Puedes por ejemplo cambiar el tono, la velocidad, distorsinarlo... Tienes bastantes ejemplos en estos tutoriales de procesado de audio.
Hacer transiciones dará color a tu tema. Puedes leer un poco más sobre este tema en este post: 4 tutoriales de transiciones para dar color a tu producción.
La ecualización trata de ajustar frecuencias para que suene todo mejor. Puedes ver un ejemplo aquí: Ecualizando hats.
Comprimir trata de comprimir el volumen para ajustar el rango dinámico y que suene todo más equilibrado sin perder calidad. Es un poco complejo para verlo ahora, pero puedes ver un ejemplo aquí: comprimiendo vocales.
Ahí hay bastante material, y no te preocupes si no lo entiendes o si no lo ves todo ahora. Son conceptos que irás aprendiendo y necesitando según vayas progresando.
Ahora que ya tienes idea de qué son y cómo funcionan los ladrillos es hora de construir una casa. Es decir, un tema.
¿Cuántas partes tiene un tema? ¿Y cuantos instrumentos?
Pues tiene varias partes:
Con esas partes podría quedar definida estructura de la canción. La verdad es que puedes organizarlo cómo quieras, no hay una regla única y además cada estilo tiene sus propias estructuras.
En cuanto a los instrumentos, suelen haber bastantes y estos suelen organizarse por pistas. Entre las pistas/instrumentos se pueden encontrar
Un poco lio, ¿no?... ¿Y cuántas pistas debería tener un tema?
Pues depende, tu canción podría ser algo tan simple cómo una melodía de piano en 1 pista.
O algo tan complicado como una banda sonora orquestal que más de 100 pistas. No hay reglas.
Pero eso si, la clave está en saber lo que quieres hacer y organizarte bien.
Volviendo un poco a lo que vimos del ritmo, lo que tienes que tener claro también es el concepto de compás: normalmente son 4 beats o golpes de ritmo. Es decir, un compás es todo lo que entra dentro de los 4 tiempos, uno detrás de otro.
La música electrónica se organiza por compases: es decir una intro tiene varies compases, al igual que el drop, el paron el puente... ¿Cuántos? Depende del estilo
Un estilo viene a ser más o menos un conjunto de reglas: un tipo de estructura, un bpm parecido, una escala similar, unos instrumentos y sonidos parecidos, ...
Vamos a ver un ejemplo de cómo sería una estructura típica en un tema EDM
Un par de avisos que vienen muy bien, y lo digo por experiencia:
1. No por tener más pistas o más instrumentos un tema es mejor. De hecho a veces pasa lo contrario porque menos es más y puede sonar mejor.
2. Organizarte bien desde el principio te puede salvar la producción. Es un fastidio y aburrido, lo se, pero salvarás temas si los organizas desde el principio, si no, se convertiran en un monstruo y en algo dificil en lo que trabajar.
La organización dependerá de tu programa de producción: Cubase, Ableton, Fl... Normalmente te permiten etiquetar las pistas (ponerles un nombre), organizarlas por colores y agruparlas en grupos. Si utilizas estas características tu producción estará mucho más ordenada y trabajarás más fácilmente.
Es una idea genial tener temas referencia. Incluso intentar copiar temas al principio.
Los temas de referencia son los temas que utilizas para comparar tus producciones. Es decir, son temas que son tus referentes para hacer buena música.
Te puedes fijar en ellos a nivel de estructura, ritmo y tempo, de sonidos, de efectos, ecualización ...
Eso si, si copias tal cual esos temas que sea porque quieres aprender. Si no, no tiene sentido que copies algo porque... ya está hecho! y no aportas nada nuevo y el mundo no necesita más copias.
Así que hazte una lista de temas de referencias y estúdialos. Intenta ver que estructura tienen, tipos de instrumentos, progresiones... Te ayudarán mucho a entender el estilo.
Y si estás empezando es incluso mejor idea jugar con proyectos ya hechos.
Te pueden ayudar a entender cómo funciona un estilo musical: que estructura tiene, que sonidos suele tener, automatizaciones típicas, efectos, ...
Una vez que lo observas puedes empezar a cambiar pistas, sonidos, efectos... y llegar a algo totalmente diferente.
Es cómo si cogieras una plantilla de photoshop, o web, o de video y lo editarás: te ahorrarás tiempo y puedes llegar a algo totalmente original igualmente. Depende del interés que pongas.
Tienes algunas plantillas en nuestra sección de proyectos
Ufff, si has llegado hasta aquí y has practicado todo lo que hemos visto, enhorabuena: te mereces una medalla!
Has empezado con buen pie en esto de la producción.
¿Te acuerdas del diagrama del principio?
Este mismo:
Hemos visto la parte de producción, pero no es bastante para que suene todo lo bien que podría sonar.
Al ir creando pistas y añadiendo instrumentos sin querer haremos que la canción distorsione porque los volúmenes se van sumando.
Por otra parte habrá instrumentos que ocupan el mismo rango de frecuencias que otros, por lo que crearán un efecto bola: el ejemplo típico es el bajo y el bombo, ambos suelen ocupar las mismas frecuencias graves.
Justo por esos problemas, y algunos más, es por lo que aparece el concepto de mezclar, un proceso que hace que el tema suene mejor.
Explicado de forma simple, la mezcla consiste en ir ajustando volumenes e ir aplicando efectos a las diferentes pistas a fin de que suene bien, suene compacto y aumente el sentimiento del tema. Todo enfocado para crear un tema que suene mejor a oidos de nuestro público.
Podríamos decir que la mezcla actua un poco cómo el pegamento de las pistas para que la composición quede bien y que no parezca que cada pista vaya por su lado.
Concepto similar a la mezcla, pero en una etapa posterior.
La masterización es cómo la guinda del pastel. Es el proceso que se hace una vez mezclado para mejorar todavía más el tema, más compacto y consistente.
Cabe destacar que si la mezcla es muy buena, el mastering será bastante simple. Y que si el tema es un desastre, el mastering poco puede hacer, habría que volver atrás.
Este proceso se suele realizar cuando hemos agrupado y exportado las pistas y ya solo hay una pista o hay pocos grupos de pistas. Nivelaremos de nuevo las pistas (o pista) que queden, ecualizaremos, comprimiremos...
Es cómo una mezcla en conjunto. Y en esta etapa tenemos que asegurarnos de que el tema suena bien en distintos dispositivos y altavoces porque ya no hay vuelta atrás. Una vez masterizado el tema, es el tema final: sea bueno o malo.
Podríamos decir que es cómo empaquetar o envolver el tema de una forma que quede bonita
Eso de la mezcla y/o el mastering...¿puede hacerlo otro? ... porque puede parecer un poco aburrido. (aviso: no lo es)
Si, mezclar y masterizar pueden hacerlo otras personas que no son los productores. Es bastante normal, sobretodo se les deja esta tarea a los que son más profesionales, seguramente más que nosotros.
Y de hecho la parte de masterizar es bastante conveniente que lo haga otra persona porque seguramente el productor y mezclador estarán bastante "contaminados" de escuchar el tema.
Lo que pasa es que no siempre hay recursos (dinero) para pagar a alguien y que lo haga. Y por eso casi seguro que nos toca aprender.
De todas formas, aunque podamos pagar a alguien estaría bien saber cómo se mezcla y masteriza aunque solo fuera para que habláramos el mismo idioma que el mezclador o el masterizador... sabríamos mejor qué es lo que podemos pedir para el tema. Y si hay que cambiar algo, sabríamos cómo explicárselo bien.
Y hasta aquí, porque estas partes de mezcla y mastering queda fuera de esta guía. Es algo que iras viendo poco a poco según vayas produciendo y veas que hay cosas que puestas juntas no suenan tan bien.
Pero si ahora quieres saber algo más, entra en nuestro canal de youtube para echarle un vistazo a tutoriales que tenemos sobre mezcla y mastering. Por ejemplo:
A estas alturas ya sabes cómo empezar a crear temas.
A partir de aquí la idea es divertirte y aspirar es es producir buena música que guste y que provoquen sensaciones en gente.
Y sobretodo aspirar a crear música con carácter propio, música que lleve tu sello de identidad. Todavía no lo tienes, pero no te preocupes, irás creándolo.
Ahora bien ... ¿Qué es eso de buena música?
Para nosotros música buena es música que te lleve a algún lugar, que le diga "algo" a "alguien".
No te preocupes so dicen que tu música no es buena, ni de haters ni de trolls..., ni ahora ni nunca. Preocúpate de la gente que está a tu lado y quiere ayudarte a ser mejor. Y preocúpate de la gente a la que puedes ayudar.
Es un camino en el que la paciencia y la humildad van a ser necesarias. Te lo digo por experiencia.
Paciencia para echale horas. Y humildad para no parar de aprender.
Así poco a poco irás haciendo mejor música: no hay secreto.
No se si tu propósito de hacer música va encarado a conseguir éxito. Si lo haces, bien, pero tendrás que definir antes que es éxito.
Si éxito es hacer buena música y superarte, entonces genial.
Pero si éxito para ti es igual a fama, prepárate para estar sentado.
La verdad es que molaría que con hacer buena música bastara para conseguir la fama, ¿no?
Pero por desgracia el mundo no es así, no es suficiente con hacer buena música para conseguir fama y dinero.
Además de hacer buena música hay que saber promocionarla. Hacer que llegue a alguien.
Pero yo ahora no me preocuparía por eso: ahora me dedicaría a escuchar mucha música, analizarla y a hacer buena música.
La parte de escuchar y analizar mucho te ayudará a saber lo que gusta a la gente, y eso te ayudará. Y cuantos más estilos mejor.
De todas formas si quieres leer más sobre este tema, accede a esta guía.
Y ya que estamos, podemos hablar un poco de las motivaciones (aunque si no te interesa, la siguiente parte puedes saltártela).
Es interesante pararse un momento a pensar las motivaciones que tenemos respecto a ser productor.
Puede que en este momento digas...
"¿Para qué?"... "Que más da esto de la motivación"
Esto de la motivación, que parece una tontería, puede hacer que de verdad hagas algo que valga la pena y que no seas uno de esos que lo prueban y lo deja en dos días... que por cierto! no pasa nada si lo eres: todos tenemos derecho a probar. Yo cuando era pequeño me apunté a judo y duré 2 días, y no pasa nada.
Porque aquí viene la mala noticia:
Producir bien no es fácil, y producir cosas buenas todavía menos. Por eso hacen falta buenos motivos.
Si le preguntas a la gente que ha conseguido algo te dirán que les ha costado muchas..., no!, muchísimas horas llegar a tener algo bueno. Lo que pasa es que no vemos esas horas, pero ellos te prometerán que sin esas horas no habrían llegado a ninguna parte.
Entonces, cómo la producción va a ser un camino de muchas horas, necesitas tener una motivación que te permita seguir en los momentos difíciles: esos momentos que no te sale nada, que no sabes por donde avanzar, que acabas con un tema que no mola... si, todos esos momentos.
Para no enrollarme más: si tus motivaciones son externas (dinero, fama, sexo ...) lo vas a tener difícil: te vas a cansar antes de empezar porque esas cosas tardan en llegar... si es que llegan, claro.
En verdad las motivaciones externas son cómo un "subproducto" o recompensa extra por un trabajo bien hecho, pero no es el resultado principal.
En cambio si tus motivaciones son internas: ganas de expresar lo que sientes, pasión por la música, ganas de ser mejor, hacer disfrutar a los demás... vas a vivir una mejor experiencia y seguramente estarás con ganas de superarte cada día y hacer algo mejor para demostrártelo a ti mismo.
También es cierto que hubo gente que empezó con motivaciones equivocadas y cambió totalmente. En el camino descubrió su gran pasión y ha hecho de la música su vida. Y lo demás es secundario.
Así que... ¿Qué te motiva a ti a hacer música?
Sea lo que sea, de momento sigue adelante.
Cómo te decía esto es solo el principio, así que ármate de paciencia y no pares de aprender.
Aquí van unos consejos
Y para leer unos cuantos más que te vendrán bien, accede a esto que escribimos en su día: 15 Consejos para productores principiantes y no tan principiantes.
Y por supuesto vas a necesitar ayuda, así que aprovéchala y aprende de los mejores.
Recuerda que para ir rápido puedes ir solo, pero que para ir lejos, tienes que ir acompañado.
Ahora te cuento cómo te acompañamos nosotros.
Ahora vamos a hablar de nuestro libro. (O es que creías que no lo haríamos :D)
Desde 2012 estamos aquí en internet para ayudarte a hacer mejor música para que llegue a más gente.
Y ayudamos cada día a través de nuestros tutoriales, librerías, guías (cómo esta), cursos, artículos, ... Seguramente ya habrás visto algo.
En este momento lo que te recomiendo es seguir probando.
Y para eso puedes descargar mucho más material gratis, cómo loops y samples gratis.
También echa un vistazo a los tutoriales que vamos publicando cada semana en el canal de tutoriales de producción de Refraction
Ahora bien, cuando estés listo, yo haría este curso
Y te diré por qué...
Al igual que con esta guía te has ahorrado horas de ir dando vueltas por ahí para conseguir lo mismo, con este curso llegarás a tener un buen nivel en menos horas.
Por que los cursos están para eso: para darte toda la información de forma compacta y así que no tengas que ir buscando y perdiendo horas por ahí.
Realmente es lo que nos habría gustado tener cuando estábamos empezando en esto de la producción.
Por otra parte...
Los proyectos también te ayudarán a ver cómo funciona la estructura de los estilos, y a montar canciones de forma fácil para practicar
Utilizándolos cómo plantilla podrás crear temas de forma más fácil, y no te creas, que pueden ser muy diferentes del original.
Puedes echar un vistazo a las plantillas de proyectos que tenemos disponibles:
Si tienes claro tu estilo, echa un vistazo a las librerías de audio y sonidos que tenemos disponibles.
Te ayudarán a avanzar bastante tus producciones.
¿Qué? ¿Todo bien?
Espero que si. Y sobretodo espero que hayas avanzando bastante.
Si es así, ayúdanos a ayudar... Cualquier comentario que nos mandes lo leeremos y haremos los cambios necesarios para que esta guía sea todavía mejor.
Y si te ha gustado y te ha ayudado, también dinos algo para que lo sepamos y así hagamos más cosas del estilo.
En definitiva, para cualquier cosa...
Puedes ayudar a alguien
Y ya si lo último:
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